「我跟這班年輕人一起成長,見證他們創造了一些東西,而這些後來都變成了全球的現象。」(the teenagers grew up with me, created something that has become a worldwide phenomenon) —— Jeffrey Deitch 

上月巴黎之旅最後行程,去了看歐洲最大的街頭藝術展Colors Festival 2023,跟展名匹配那是一個色彩嘉年華;回到香港則有由傳奇藝術策展人、有「街頭藝術之父」之稱的Jeffrey Deitch策展的《City As Studio》。「當城市變成畫室」呼應了塗鴉藝術挑戰權威的本質,展覽雲集30多位藝術家逾百件跨年代作品,訴說半世紀街頭藝術運動史,也成為K11 MUSEA 年度旗艦活動Art Karnival的重點項目。

塗鴉與街頭藝術確實是一場「運動」,而且是地下運動,稍縱即逝的塗鴉群像是城市發展有共鳴的集體印記。由1970年代於紐約地鐵廠延伸至城市牆璧、街道、巴士站,到成為藝術現象與流派走進畫廊、美術館甚至拍賣場,改變着整個市場的美學觀念。我當然認為街頭藝術必須屬於街頭,像大排檔的美食一旦換上精緻的雕花瓷碟、走進米芝蓮餐就失去風味,猶如曾灶財的作品被「有心人」放售到氾濫的程度,只顧「$」而忽略了闡釋他對城市的影響。

著名街頭藝術家 ROA在《街頭藝術浪潮》(Street Art)一書便提到街頭藝術的「初心」:「這一切的一切都與『賣畫』無關。這些人都不對賺錢感興趣,他們就是非常、非常單純地在詮釋藝術,這也是讓許多人對塗鴉與街頭藝術狂熱的真正原因。」

這正正道出了Jeffrey Deitch 近半世紀前對街頭藝術著迷的原因。1952年生於美國的Deitch 參與現代及當代藝術近50年,身份涉及藝術家、批評家、策展人、藝術交易和顧問等。1972年,還未畢業的他便開辦了第一家畫廊。1996-2010年,Deitch 在紐約運營一個獨立當代藝術機構 Deitch Projects,曾展出過250個項目,參展藝術家來自全球33個國家。

為做MOCA館長關掉畫廊

2010年,Deitch為了擔任洛杉磯當代藝術博物館(MOCA)館長,關閉了自己的畫廊。在MOCA的三年間,他舉辦了50個展覽和項目,包括美術館史上觀展人數最多的展覽 「The Painting Factory」 和 「Art in the Streets」。Deitch 也開創了首個 YouTube 美術館頻道 MOCAtv。離開MOCA後,Deitch 在紐約又重新成立了他的事務所和展覽空間,同時於2018年9月開辦了他的洛杉磯畫廊。游走當代藝術市場半世紀,這次更以「街頭藝術之父」的傳奇背景,以策展人身份於香港籌劃這個關於街頭藝術、塗鴉的《City As Studio》大型展覽,並接受《文化者》專訪,說了許多街頭藝術的故事。

「我跟他們處於紐約同一個社區,和他們成為了朋友,是這樣開始的。」上世紀七十年代的美國,地鐵、巴士通通變成移動的藝術品展廳,那是一個自由的年代。1974年,當剛剛大學畢業的Deitch抵達紐約,便被地鐵上引人注目的移動畫廊吸引,也由此開始了與街頭藝術的淵源。那時的紐約地鐵,從裡到外都被塗鴉和被認為是狂野風格(Wild Style)雛形的圖像所覆蓋。

這些街頭藝術家都是從地下(underground)冒起的,我有感而發。「對對對,很多都是。我是面對面認識他們,但卻沒有潛進地下隧道、停車場等,哈哈。但我到過黃馬鼎(Martin Wong,美籍華裔藝術家與陶藝家,1999年死於愛滋病併發症)在三藩市的家裡。」 Deitch笑說。「Esteban Oriol (1980年代末於數個洛杉磯hip hop俱樂部當過保安的街頭藝術攝影師)的確有叫過我落隧道,但我從沒去過。」

Deitch如數家珍,從他首先認識Kenny Scharf開始,然後跟Lee Quinones 成為朋友,Lee當時16歲;接着他成為了洛杉磯當代藝術博物館(MoCA)董事,在當地認識Chaz Bojorquez 、Mister Cartoon;然後又跟年輕一輩的街頭藝術家合作一些項目,與AIKO、Timothy Curtis連繫上;接着與Barry Mcgee、Margaret Kilgallen 都有合作;然後與JR、Swoon都有很深入的溝通與交流,「我會形容這些年來,我跟這藝術家群體很有機地(organic)連結着。 」一直提倡塗鴉藝術的Deitch侃侃而談自己的朋友們,這些藝術家早已從地下走上地面甚至藝術館殿堂,Deitch都與他們識於微時。

Deitch指,《City As Studio》是中國首個大型塗鴉及街頭藝術展覽,展出來自紐約、洛杉磯、三藩市、聖保羅、巴黎和東京的街頭藝術家的主要作品。「它立體及深入地介紹這場至今仍在社會引起共鳴的重要藝術運動。」新世界發展執行副主席兼行政總裁、K11 Musea 創辦人鄭志剛表示:「經過漫長的籌備,最終能將《City As Studio》呈現在大家眼前,藉此向街頭藝術致意:它帶來持久而深遠的影響,其力量足以打破地域界限,連接社區,激發創造力,而這些經典作品亦影響了一整個世代的人。」

連接社區的藝術運動

正如展覽其中一句策展宣言形容:「狂野風格塗鴉由青少年創造,可能是自POP以來最具影響力的藝術運動。」你可以見到《City As Studio》掛滿K11 Musea 六樓展場的部分作品,正是由Deitch借出。

「我還記得1982年把Futura和Daze帶來香港,眨眼便41年。」Deitch說漏了,當年他帶來的還有第一次來港與北京的Andy Warhol。

Deitch又形容,德國、法國、意大利甚至香港都有它們自家的街頭藝術文化,是周圍列國的他想分別了解的,像這次來港他便希望了解本地的藝術社群。不過,我告訴他,今年二月香港警方便以涉嫌刑毁拘捕一位39歲塗鴉藝術家。「噢,真的?」Deitch有點不可置信。

問Deitch 如何看街頭藝術和塗鴉已由地下走進畫廊、博物館甚至拍賣場?他說:「街頭藝術家也想跟其他藝術家看齊,不甘於只潛藏地下而想入美術館。當然也有例外,我認識的紐約街頭藝術家當中,或許只有Red不想見光,他從不參與我的展覽,他甘於全身地下。至於其他,他們都希望參與認真的展覽像這個,因為他們認為自己是認真的藝術家(serious artists)。」Deitch又指,近年有藝術單位甚至品牌都開始關注和支持街頭藝術家,法國的Agnes b 就走得相當前。

談到這幾十年的有趣經歷,Deitch總結道:「我跟這班年輕人一起成長,見證他們創造了一些東西,而這些後來都變成了全球的現象。」(the teenagers grew up with me, created something that has become a worldwide phenomenon)

美國夢破碎衍生藝術

《City as Studio》一書有介紹,塗鴉這藝術形式於1970年代美國冒起時,社會正面對種種經濟及政治挑戰:1973年石油禁運、股市下跌、對越戰的不滿情緒等因素,都反映了美國夢的終結。1960年代末的青年文化及解放運動告訴大家,任何人都能成為藝術家。1960年代理想主義的承諾落空,加上1970年代中期令美國民眾失望的景況,催生了塗鴉及朋克搖滾(punk rock)等憤怒的反權威藝術形式 。

塗鴉與街頭藝術在西方冒起,在世界各地引發了一股潮流,與各地本土hip hop、霹靂舞、街頭時尚、Rap音樂共生體,語言與字彙互相影響,視為逍遙法外的文化(common outlaw culture)。因為街頭藝術根本就是與權力對抗的行為。

真正的街頭藝術仍然是屬於街頭、游走於地上地下、針對自由玩遊戲,始終與掛在畫廊及藝術館白牆的藝術品有很大分別,我會說是兩個體制的產物。

「City As Studio」展覽

日期 :3月20日至5月14日 

時間 : 12PM – 8PM 

地點 : K11 MUSEA 6樓Kunsthalle 

票價 : 普通門票HK$100 / 特惠門票 HK$5

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