做完訪問同我說：「今天訪問我答的內容是廢的。」楊東龍絕對是我生命中的第一人。
他用「廢」去形容自己說過的話，用「有意思」去形容自己的畫。這是畫家的自信，同時也是一盞天然的聚光燈，讓人自然聚焦在他作品之上。
楊東龍在香港畫圈約40年，一直不太喜歡和畫廊合作，說白了就是「一生不羈放縱愛自由」。在今天，畫廊發展成完整藝術生態圈的一環，對藝術品有自己一套評鑑方法，於楊東龍而言就是一個金剛圈，是限制藝術家創作的緊箍咒，但卻是暫時無法改變的。
我自求我道
回望過去，在1980年代楊東龍曾經和畫廊合作大約兩年，但無法單靠賣畫維生，他終止了合作關係，改為找了一些freelance工作，例如替廣告繪畫壁畫背景，然後在工餘時畫畫創作，他也畫過數年行貨畫維生，反正就是離畫畫不太遠。
「畫畫」二字楊東龍這樣形容：「畫畫除了是身體動作的描述，亦是重新整理自己當下思緒的過程，到底自己在做甚麼。」
楊東龍創作的過程是這樣的，例如他看到一個人想畫一張關於他的畫，會先起數張草稿設計一下他的形態，然後又會畫一些草稿設計他和空間的關係，並陸續加入自己的想像，之後便會尋找分割畫面的可能性以及分割的意思。在他眼中，一個畫面呈現的是最後的結果，之後便不再改動，不過作畫過程中的改變我應為是很有意思的。
他很清楚自己喜歡畫畫的原因：「因為繪畫能呈現多種不同的狀態。」
第一是記錄，藉作品上的筆觸可以知道畫家繪畫當時的動作，他舉例：「在畫紙上畫草圖和在畫布上繪畫，身體動作已是截然不同，又例如一筆一筆描畫一條線和一氣呵成畫一條線，在畫上都能呈現出來。」第二是看畫，畫的大小對觀感影響很大，小的作品觀者很容易將它化成圖像去理解；而大型畫作就不再只是圖像，觀者看畫的距離和角度都更寬廣，身體參與觀看的作用亦有所增加，加上顏料的厚度和筆觸更容易看到，令觀者和作品有更多的互動以及思考空間，所以楊東龍亦偏愛創作大畫。
他眼中繪畫就是他創作的途徑，而他亦把畫畫和創作分的清清楚楚：「已有的作品將它再做出來不叫創作，創作時我要想的是這件作品和過去數百年的畫有何不同，一但創造出不同，亦要接受當下人們未必能了解，這也是一個很自然的問題。」
楊東龍在1980年代的創作大多都已經遺失了，遺失原因並非是賣了，而是因為沒有存放的空間而丟了。2003年，當時香港的經濟環境太差，楊東龍必須找一份全職工作才能維生，便從事了髹漆工作。2010年可謂楊東龍一生重要的轉捩點，他因健康問題無法繼續原來髹漆的工作，不過塞翁失馬焉知非福，因緣際會一位從事室內設計的朋友得知他的情況後，出手幫忙售賣他的畫作，展開了他近九年全職畫家的生活，他中間辦過個展，亦因爲這段合作關係讓他發現新的賣畫途徑，但是不經畫廊賣畫的地方叫甚麼，楊東龍只說三隻字：「不知道。」
因那位朋友離港，他們的長期合作關係告一段落，但楊東龍依然想繼續發掘這種賣畫的可能性。他甘為這種可能性開山劈石，「畫作賣掉了就無法拿回來，我希望每次都是展出最新的作品，盡量將作品呈現在人們眼前。」他十分珍惜每次展覽的機會，不論作品將何去何從，他自覺有責任將作品分享給大眾，2019年這場展覽，他選擇了艺鵠藝術空間。
切割．共時
楊東龍認為作品離開畫室後就變成另一件事，展覽是另一部分的創作，畫是用眼看的，展覽也是用眼看的，他們是語言和文字之外的一個獨立空間，這一點極其珍貴。
切割是楊東龍在視覺上對自己畫作的形容，因為畫作本身有大量分割的畫面；而共時，指的是繪畫的共時性，而這種共時性和他的畫面分割亦有關，在繪畫那刻便會產生，是一個客觀的存在。他解說：「剪接通常在電影採用，但無論怎剪都有時間性，不論你如何刻意去打破它，時間性依然存在。但繪畫不是，繪畫是一刻，因為畫中所有物件都同時存在，當要有時間性的話便要靠觀者重新組織。」
而題材方面，楊東龍自言在畫室畫畫，他很少會預先想好一個題目，但一定都是在畫自己身邊的事物，他不會去想關於形式和主題，因為主題很簡單，便是繪畫，而他怎麼表達繪畫，就是用身邊的事物。今次展覽大家可以看到楊東龍的兩類畫作，一是寫生，二是用想像和記憶進行的創作。
策展人羅偉珊Susi認為是次展覽作為楊東龍自2017年動漫基地個展後一次大型個展，除了對畫家本身有重大意義，對艺鵠藝術空間亦是同樣。Susi希望除了造就機會讓公眾能夠接觸這位低調的畫家，同時希望這個富德樓這空間，能為往後的一眾藝術家提供更多和公眾接觸的機會，以及嘗試闖出藝術品傳統買賣的其他途徑。
切割．共時──楊東龍繪畫展
日期：即日至31日
時間：下午1時至晚上8時
地點：灣仔軒尼詩道365號富德樓6樓艺鵠藝術空間及14樓
撰文、攝影：余日一
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