在香港從事創作，經常面對各種考驗──缺乏靈感、作品沒人看見、空間狹窄、新技術不斷湧現……然而「藝術」從不固定於特定形式，只要真正喜歡所做的事，總能找到屬於自己的方向。
早前，香港藝術中心舉辦了兩場座談會，分別以「藝術家是如何煉成？」和「聲波：穿梭空氣與編碼之間」為題，邀請了不同專業的藝術家齊聚一堂，直面當下最切身的議題。講座吸引了不少正在創作路上掙扎和奮鬥的同路人與年輕觀眾，從藝術家的對談中尋求啟發。
這兩場座談會源自香港藝術中心主辦的「CREATORS FOR TOMORROW 計劃」。此計劃始於2020年，透過提供資金、場地等資源，鼓勵及支援香港新晉藝術家、策展人、創作者和研究者。計劃第二屆起接受「展覽」與「專題研究」兩個類別的申請，成功申請者可獲得最高港幣60,000元正資助。是次座談會的部分講者曾於計劃中獲得資助，並於香港藝術中心展示其創作或研究的成果。
藝術家是如何煉成？
六位藝術家在9月13日的兩場座談會中分別聚首，分享他們多年的創作經驗與感受。首場講座以「藝術家是如何煉成？」為題，由獨立策展人方敏兒主持，講者是三位本地年輕藝術家：方韻芝（Vangi）、黎倩華（阿步）和劉杭霖（Avery）。
座談會中，三位藝術家分享了自身的創作經驗，讓人發現藝術家可以有各種不同的可能性。例如成立「在山工作室」的Vangi，過往曾策劃不同類型的社區藝術及教育活動，著重社會參與，致力拉近大眾與藝術的距離；阿步的創作則圍繞「家」的想像，以不同媒介出發，包括影像、有機現成物、自然元素、文本、聲音和身體介入，從一個主題中延伸出多種可能；而專注於版畫創作的Avery，在同一媒介中鑽研多年，認為版畫寧靜而具規律，能夠讓他從中探索古典和希臘神話元素。
三位媒介、主題、呈現方式皆不同的藝術家，在講談中圍繞六條問題，分享了他們各自的創作經驗與愛好。如問及哪些收入來源對他們影響最大時，三位藝術家不約而同地提到，他們創作主要獲益於「私人贊助」──即他們自己。從事教學與設計工作的Avery，以當中的收入為例，認為其支撐了他的版畫創作。Vangi則指，藝術家剛開始投身創作時，未必能馬上獲得贊助，但仍然想嘗試，「所以就會在不計較有沒有收入的情況下開始。但這些『開始』是好的，因為它們會為我帶來獨特的經歷。』」
方敏兒因此總結：「藝術家有很多不同的可能性，只要你真的喜歡手上的工作，其實很多時候會發現，你可以有許多不同的發展方向，這視乎每個人自身的長處與喜好。」
給年輕創作者的建議
在這場座談會的尾聲，不少觀眾踴躍向藝術家們尋求建議，當中不乏年輕的學生與創作者。其中有觀眾問及，如何才能持續地保持創作的心態，Avery以自身經驗提出建議，認為可以嘗試尋找創作之外的工作，從中獲得啟發，同時更珍惜創作的時刻。他亦鼓勵創作者在心態上學懂「放過自己」，他表示：「創作是漫長的過程，當中不免有堵住的時刻，但創作可以由微小的步伐累積而成──不一定要強迫自己每天創作十小時，就算每天只創作一分鐘，一年後便有三百多分鐘。把創作化成一個個細碎的階段，反而更容易達成目標。」
另外亦有年輕觀眾問到，如何才能跨過創作的界線，成為一名真正的「藝術家」，阿步回顧過往，認為一些她曾經以為算不上是「創作」的經驗，卻會在無意中影響她往後的發展。她由此指出：「從整條河流的視角回首時，你會發覺那些都是不可或缺的部分，定義了你今天創作的模樣。」
聲音藝術創作的三種視角
另一場座談會以「聲波：穿梭空氣與編碼之間」為題，探討聲音作為當代藝術中常見的元素，隨着生成式技術的日漸成熟，又能有怎樣的可能性與持續擴展的面貌。此座談由香港中文大學的梁學彬教授主持，邀請了三位聲音藝術家──陳朗丰（Lazarus）、葉若曦（Heyse）及王嘉淳（Shawn）分享他們眼中聲音藝術的最新趨勢。
三位藝術家雖然都以聲音為創作媒介，但呈現方式卻各有不同。現於荷蘭海牙皇家音樂學院修讀聲音學的Shawn，過往作品涉獵不同媒介，包括電影、動畫、流行音樂、藝術裝置等。他認為聲音的意義不只在於物理性，也在於其文化性。他以「CREATORS FOR TOMORROW 計劃」中獲資助的項目「EnListening」為例，認為能通過聲音探討人類和機器的交流，尤其當人與人、人與機器之間常有互不交疊的情況下，如何才能互相理解、表達和接受。
另一位新媒體藝術家Lazarus的作品，則多貫穿聲音景觀、電子裝置、程式編碼、數據視覺化與生成藝術，探索生死、空間、意識與時間的交錯。他形容：「我們如今生活在一個有趣的時代，這同時也是一個詛咒。」與Shawn感興趣的主題相似，Lazarus亦關注科技和聲音中人與人的溝通，但後者更希望探討人工智能的局限，如他在座談會上提到：「不同地方的大型人工智能語言模型有不同型態，因為它們都植根於特定的文化和語言。」他認為藝術家的角色，就是在看似沒有道路的情況下尋找出路，為大眾提出一個前行的方向。
最後一位分享的藝術家Heyse去年獲「CREATORS FOR TOMORROW 計劃」資助，舉辦了個展《類鳥變奏曲》，他把人、動物和機器共置於一個看似虛構但又熟悉得叫人不安的環境中，使三者之間的界線變得模糊。Heyse的新媒體裝置由城市中的鳥類出發，座談會上，他回顧了個展的靈感，提到後工業時代中自然與城市的邊界已逐漸變得模糊，人們發明了很多聲音來控制空間，例如在機場中透過聲音阻嚇雀鳥，卻未必真正明白聲音本有的意義。他形容：「現實局限了我們觀看的視角，在此之下，聲音是一種轉譯（translation），能為我們帶來不同角度來觀看同一事物。」
身為新媒體藝術家，他們對聲音藝術的興趣，不約而同地落於溝通與交流之上，卻以不同的表現方式以及聲音運用的視角，一再拓寬創作的可能性。在「電腦生成」成為當今趨勢的年代，梁學彬教授希望藉由三位藝術家的對談思考聲音的本質，以及探討人以聲音來呈現的世界，跟電腦所學習與展現的面貌有甚麼分別。
撰文、攝影：鄭思珩
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